Historia del Cine y sus Movimientos Vanguardistas
“De todas las artes, el cine es para nosotros la más importante”.
-Vladimir Lenin.
El objetivo del presente trabajo es conocer de forma resumida, objetiva y concreta los aspectos más importantes de la historia y evolución que ha tenido el cine a través del siglo XX, estudiando sus precursores, orígenes, primeros años y los movimientos vanguardistas por los que ha pasado para ser lo que hoy conocemos como el séptimo arte; desde su uso como espectáculo de entretenimiento hasta el de un instrumento propagandístico que busca influenciar audiencias masivas.
Abordaremos varias épocas, directores, propuestas, películas y algunos elementos que siguen vigentes en el cine contemporáneo. Si bien el cine ya es considerado como uno de los 7 grandes artes, este es el que se puede estudiar mejor que todos los demás, ya que es el más actual y es el único del que se tiene la fecha exacta de su origen, data apenas de un poco más de 100 años, lo que nos deja la idea de que el arte de la película está todavía en pañales, sin embargo hay que considerar que el cine, a diferencia de otras expresiones artísticas, ha tenido su auge en uno de los siglos con mayor desarrollo tecnológico de la historia, lo que ha potenciado su evolución a pasos agigantados; el cine fue un medio que tuvo un alcance mundial casi de inmediato, al contrario de la literatura o la pintura que tuvieron que esperar varios siglos para poder estar al alcance de todo el que quisiera.
Prehistoria del cine
De los antecedentes del cine, en realidad, no hay mucho que decir ya que como tal no existe nada, el cine nació con el cinematógrafo, no había cine antes de eso y la gente ni siquiera soñaba con algo como la cámara o el vídeo pero si existían un par de instrumentos que simulaban o eran el principio de lo que sería el cine.
El primero es el teatro de sombras, un espectáculo que se llevaba a cabo detrás de una fina cortina que proyectaba las sombras de quienes interpretaban un papel y permitían jugar con la imaginación de la audiencia. Otro instrumento que usaba las mismas bases del espectro óptico, que más tarde se usarían para el vídeo, fue el zoótropo, un cilindro con rejillas que permitía mirar hacia su interior, donde tenía una serie de dibujos que cuando se giraba daba la ilusión de movimiento, el taumatropo y el estroboscopio fueron otros instrumentos similares que se basaban en el mismo principio visual.
El invento que revolucionaría al mundo y nos acercaría un poco más al cinematógrafo sería la cámara fotográfica, inventada un 1826 por Joseph Nicéphore Niépce, 69 años antes de la invención del cinematógrafo. La fotografía, por supuesto, dio origen al kinetoscopio; otro invento muy importante para la invención del cinematógrafo y su predecesor directo.
Los hermanos Lumière y el inicio de una era
Los orígenes del cine, como los de cualquier otro arte, son un tanto controversiales, ya que hay quienes le atribuyen el invento del cine a Thomas Alva Edison, sin embargo la teoría más aceptada y la mundialmente conocida es la de los hermanos Lumière.
Auguste Marie Louis Nicolas Lumière y Louis Jean Lumière nacieron en Besançon, Francia pero crecieron en Lyon, donde en su juventud trabajarían en el taller de fotografía de su padre. En 1892 comenzaron con la idea de un dispositivo que pudiera “fotografiar imágenes en movimiento”.
Durante un viaje a París, su padre, Antoine Lumière trajo consigo un kinetoscopio, un instrumento que podía fotografiar muchos cuadros en una cantidad mínima de tiempo y si estos cuadros se acomodaban y reproducían en una película podían generar la ilusión de movimiento. Los hermanos quedaron maravillados y decidieron mejorar el kinetoscopio, dando nacimiento al cinematógrafo.
Ya para 1895 los hermanos habían patentado su invento y habrían filmado sus primeras películas. Los primeros planos de los Lumière eran simples escenas cotidianas con un carácter más documental que de ficción.
El 28 de diciembre de 1895, en el sótano 14 de el Gran Café de París, los hermanos Lumière proyectaron la primera función de cine de la historia, en ella presentaron sus películas Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir, Llegada de un tren a la estación de Ciotat y El regador regado.
Méliès y la creación del cine fantástico
Ya dejamos en claro que el nacimiento del cine se lo debemos a los hermanos Lumière sin embargo el hombre que le dio un significado más allá de imágenes en movimiento fue el francés Marie Georges Jean Méliès, el hombre que vió el cinematógrafo no sólo como un instrumento para captar el espectro óptico sino como un medio de entretenimiento masivo y como un ayudante para relatar sus más descabellados sueños. Méliès dotó al cine de un carácter fantástico, y filmó muchas películas desechando la idea de grabar ambientes cotidianos e incorporando muchísimos elementos fílmicos que uno pensaría que son mucho más actuales, como lo son el stop motion, los efectos especiales y el uso de la perspectiva para dar una un efecto ilusionista.
Méliès llegó a filmar más de 500 películas, de las que por desgracia solo quedan unas 50. Por ser el pionero en el cine de fantasía y también del cine de terror, se considera a Georges Méliès como el “mago del cine”
Hollywood y el nacimiento de las súper producciones
Mientras en Francia Mélies y otros cineastas estaban haciendo maravillas con el cinematógrafo, en Nueva York, Thomas Alva Edison estaba copiando los éxitos europeos y adueñándose del monopolio que era el cine en América. Edison inventó y patentó el kinematógrafo, otra variante del kinetoscopio que serviría casi igual que el cinematógrafo. El problema es que Edison se había adueñado de la industria por completo, los cineastas entonces emigraron al otro extremo de los Estados Unidos, o sea, la costa oeste y ahí se establecieron, donde las patentes de Edison no los alcanzaban y donde las condiciones para las producciones eran mucho más económicas y cómodas, esto dio origen a lo que hoy conocemos como Hollywood.
Uno de los primeros y más grandes directores de esta época fue David Wark Griffith, quien sería el creador del modelo estadounidense de representación cinematográfica, en otras palabras las súper producciones, y también sería conocido como el “Padre del Cine Moderno”.
El reconocimiento de Griffith se debe, sobre todo, a dos monumentales obras de la cinematografía americana. El nacimiento de una nación, un filme que por sus avances técnicos como por sus controversias fue uno de los más importantes de su época. La controversia se debió a que esta película promovía de forma abierta y vehemente la supremacía blanca y el desprecio hacia la raza negra. Sin embargo las intenciones de Griffith eran todo lo contrario, lo que él buscaba era hacer una burla a esta ideología racista de forma sarcástica. Como respuesta a la polémica que había desatado esta película Griffith decidió dejar en claro su ideología con el filme más importante en su vida, Intolerancia.
Intolerancia, la siguiente película de Griffith después del éxito de El nacimiento de una Nación sería su película más importante y más reconocida a través de los años, esta película tiene como centro el tema de la intolerancia, que narra a través de cuatro relatos, todos ubicados en distintos momentos de la historia. Antes que nada hay que aclarar que Intolerancia fue un rotundo y total fracaso en taquilla, a pesar de haber sido alabada por la crítica y por haber tenido un presupuesto ridículamente elevado para la época ($385, 907), lo que la posicionó como la película más cara de la historia por mucho tiempo. Esta película marcaría el rumbo del cine en muchos aspectos, influenciaría vanguardias y le daría un giro total a la industria en América. Es a partir de aquí cuando los productores dominarán la industria y nacerían los grandes estudios y el Star-System.
El expresionismo alemán
El expresionismo alemán es el primer movimiento vanguardista del cine del que se tiene conocimiento, éste surge como un forma de expresión artística no sólo en el cine sino en las demás artes por consecuencia de la reciente derrota de Alemania en la primera guerra mundial.
En pocas palabras se puede denominar a este movimiento como depresivo y lúgubre, o sea un reflejo del lastimado orgullo ario. En este movimiento los cineastas usaban el drama de una forma casi teatral, las luces y las sombras dotaban al filme de un ambiente sombrío y desolado, los escenarios, el maquillaje y la iluminación están diseñados para dar la sensación de desolación y la falta de realismo cercanos a una pesadilla.
El principal exponente de este movimiento fue Fritz Lang, quien dirigiría una de las obras más famosas del cine mudo Metrópolis, en la que Lang hace una crítica a la estructura social apoyado en el marxismo en la que existen 2 clases sociales principales, la burguesía explotadora y los obreros explotados pero Lang agregó un elemento extra, un mediador, un eslabón que uniera estos dos gremios representados por el cerebro y las manos. La escenografía y ambientación en este film es realmente monumental y futurista.
Otras obras famosas de este movimiento serían El estudiante de Praga, Nosferatu, El gabinete del Dr. Caligari, El Golem, entre otras. Este movimiento en la actualidad es muy parecido al tinte oscuro que Tim Burton le da a sus películas.
El montaje soviético
El cine soviético fue una muestra impresionante de que el cine no solo existe para entretener sino que también puede ser utilizado como un instrumento propagandístico, en el caso de los soviéticos con el propósito de influenciar en el pueblo las ideas de la ya exitosa revolución bolchevique. Sin embargo, los soviéticos también dejaron muy en claro que aunque su objetivo principal no era el de entretener sus películas no debían de carecer de calidad o incluso de avances tanto técnicos como artísticos.
El efecto Kuleshov y la forma en la que Eisenstein aplica éste son el legado más importante que el cine ruso nos ha dejado, el efecto Kuleshov consiste en dotar al montaje (el corte entre un plano y otro) de un significado más allá de solo ser un cambio de escenas, Kuleshov lo utiliza como un recurso narrativo que brinda simbolismo y alegoría a la película. Ahora bien, el máximo exponente de este recurso es Sergei Eisenstein con su cinta El Acorazado Potemkin, en este filme se narra la historia de una tripulación que se subleva en contra de sus superiores, en un acorazado de guerra, pues reciben un trato inhumano. Llegado el navío al puerto de Odessa, donde es bien recibido por el pueblo, las fuerzas armadas recorren las escaleras que llevan al muelle destruyendo todo y a todos a su paso para llegar al acorazado, esta escena es clave en el estudio de la cinematografía mundial, ha sido homenajeada y estudiada por muchos cineastas.
Otros representantes de esta vanguardia son: La huelga, El hombre de la cámara, Octubre, La madre, Iván el terrible, entre otras.
El neorrealismo italiano
El neorrealismo italiano, al igual que el expresionismo alemán , fue un movimiento vanguardista posguerra que se desarrolló tras la reciente derrota de sus respectivos países. El neorrealismo italiano se caracterizó por el realzamiento de los valores humanos en las devastadas ciudades de Italia, en esta vanguardia, lo que se buscaba era alejarse del esquema cinematográfico que la Italia fascista anterior a la guerra ya había establecido y entablar un vínculo más personal entre la película y espectador, en esta propuesta la trama o los personajes pasaban a segundo plano y los más importantes serían los sentimientos que se transmiten. Por la escasez económica en la que estaba Italia se decidió que estas películas se rodaran en locaciones reales de la ciudad y no en estudios y también que los actores no fueran grandes estrellas sino que se contratarían actores principiantes o personas comunes y corrientes.
La película con la que se inicia este movimiento es Roma, ciudad abierta, de Roberto Rossellini, seguida de otros éxitos como Ladrón de bicicletas, La tierra tiembla o La Strada.
La nueva ola francesa
Francia vuelve a retomar la gran relevancia que tuvo en el cine con la Nouvelle Vague o Nueva Ola, este movimiento nace cuando un grupo de jóvenes críticos llamados los Cahiers llegaron a la conclusión de que el mal manejo de la industria en esa época estaba restando fuerza creativa a los directores y eso estaba “minando la esencia cinematográfica”, estos cineastas buscaban romper las reglas con las que se hacía el cine, tomaron total control de la realización de sus cintas no sólo imponiendo su libertad de expresión sino también su libertad técnica en la producción de sus películas.
En una sola palabra se puede definir a este estilo de cine como “cool”, es cine hecho por jóvenes rebeldes que querían hacer sus películas sin dogmas. En la Nouvelle Vague el director lo era todo, con mayor libertad creativa dejaban en los filmes su esencia artística; es aquí donde el cine de autor toma una importancia gigantesca. Jean-Luc Godard, François Truffaut, Agnès Varda y Claude Chabrol son solo algunos de los representantes más importantes de este movimiento.
Los 400 golpes de Truffaut es el mayor exponente de este movimiento, siendo una película semi-autobiográfica. La historia gira alrededor de Antoine, un autoretrato de las obsesiones de Truffaut, la película es en gran medida influenciada por los antecesores cinematográficos de éste y un homenaje a su recién fallecido mentor, André Bazin.
El dogma 95
Finalmente, la más actual (y tal vez menos relevante) de las vanguardias en el Dogma 95, instituido por los directores daneses Lars Von Trier y Thomas Vinterberg en 1995. Este movimiento, a diferencia de la Nouvelle Vague impone nuevas reglas a la realización cinematográfica. El movimiento surge como una crítica a lo que las producciones americanas están haciendo con el cine contemporáneo, o sea, volviéndolo un medio únicamente comercial, matando poco a poco el sentido artístico de este. El dogma busca purificar los aspectos técnicos del cine en un minimalismo “absoluto”.
Algunas de las reglas que dicta su manifiesto son: No efectos especiales, no estudios, no mezclas de sonido, no filtros de luz, solo luz natural, no películas de género, rollo de 35mm. y que el nombre del director no aparezca en los créditos.
Conclusión
La historia del cine es un acontecimiento nada fácil de narrar por su amplia gama de subtemas, se puede estudiar de forma cronológica, por relevancia, se puede estudiar por años, vanguardias, países, géneros, directores, y la cuenta seguiría y seguiría, el cine es un medio artístico del que se podría escribir tantos libros como para llenar un océano pero lo que se busca realmente resaltar en este pequeño artículo es como el cine fue un invento que transformó al mundo por completo, como hizo que tanta creatividad y talento explotaran alrededor del mundo, el cine ha sido un arte que ha servido para unificar naciones, generan empatía, solidarizar corazones, resaltar la belleza que aún habita en el alma de las personas. El cine es un arte que expresa en todo su esplendor al ser humano.
